Vorstellungsgespräch: Fragen für Drehbuchautor:innen

Hier sind die häufigsten Vorstellungsgespräch-Fragen für eine Drehbuchautor/in-Position – mit Beispielantworten und Vorbereitungstipps, basierend darauf, worauf Recruiter und Hiring-Teams tatsächlich achten. In einem überfüllten Markt ist es die erste Hürde, überhaupt aufzufallen. Wenn du also noch eine maßgeschneiderte Bewerbung brauchst, die dich überhaupt erst ins Interview bringt, solltest du zuerst dort ansetzen und deinen Lebenslauf erstellen. [1][2]

Häufigste Fragen im Vorstellungsgespräch für Drehbuchautor/innen

1. Erzählen Sie etwas über sich
2. Warum möchten Sie diese Drehbuchautor/in-Position?
3. Was reizt Sie an diesem Projekt, Studio oder dieser Produktionsfirma?
4. Wie entwickeln Sie eine Story von der Idee bis zum fertigen Drehbuch?
5. Wie entwickeln Sie starke Figuren und Dialoge?
6. Wie gehen Sie an Struktur, Tempo und Überarbeitungen heran?
7. Erzählen Sie von einem Drehbuch, auf das Sie besonders stolz sind
8. Wie gehen Sie mit kreativem Feedback und Notes von Produzent/innen, Regisseur/innen oder Executives um?
9. Erzählen Sie von einer Situation, in der Sie unter engem Zeitdruck überarbeiten mussten
10. Wie balancieren Sie Ihre kreative Stimme mit kommerziellen oder produktionstechnischen Einschränkungen?
11. Welche Genres oder Formate schreiben Sie am besten – und warum?
12. Wie recherchieren Sie unbekannte Themen oder Settings für ein Drehbuch?
13. Erzählen Sie von einer Situation, in der Sie eng mit anderen Autor/innen oder Kreativen zusammengearbeitet haben
14. Wie stellen Sie sicher, dass Ihr Schreiben zur Zielgruppe passt?
15. Wie bleiben Sie organisiert, wenn Sie an mehreren Fassungen oder Projekten gleichzeitig arbeiten?
16. Was ist Ihre größte Stärke als Drehbuchautor/in?
17. Was ist eine Schwäche oder ein Bereich, an dem Sie arbeiten?
18. Wie nutzen Sie KI-Tools in Ihrer Arbeit als Drehbuchautor/in?
19. Was sind die Grenzen von KI für Drehbuchautor/innen – und wie umgehen Sie diese?
20. Haben Sie Fragen an uns?

Passen Sie Ihre Antworten an die konkrete Rolle an. Dieselbe Interviewfrage kann je nach Job sehr unterschiedliche Antworten erfordern. Als Drehbuchautor/in sollten Sie Story-Struktur, Überarbeiten, Zusammenarbeit, Zielgruppenverständnis und Produktionsrealität betonen – nicht unbedingt die Dinge, die in anderen Rollen im Vordergrund stehen. Wenn du dir für deine Beispiele ein stärkeres Gerüst wünschst, schau dir die STAR-Methode für Drehbuchautor/innen-Interviews und die recruiter-fokussierte Einordnung in Fragen im Vorstellungsgespräch für Drehbuchautor/innen: Was Recruiter wirklich denken an.

Fragen und Antworten für Drehbuchautor/innen im Detail

1. Erzählen Sie etwas über sich

Hiring-Teams nutzen diese Frage, um zu sehen, wie du deine berufliche Identität einordnest. Sie möchten eine klare Zusammenfassung deines Schreib-Backgrounds, deiner Nische und warum du zu diesem Projekt passt. Wir sollten nicht unsere ganze Lebensgeschichte aufsagen. Wir sollten frühere Arbeit mit der Rolle verbinden, um die es gerade geht.

Beispielantwort: Ich bin Drehbuchautor/in mit Fokus auf charaktergetriebene Geschichten mit klarer Struktur und deutlichen emotionalen Stakes. In den letzten Jahren habe ich Spiel- und Kurzform-Drehbücher geschrieben, Projekte anhand von Notes überarbeitet und einen Prozess entwickelt, der ein Konzept effizient von der Outline bis zum polierten Draft bringt. Was gut zu dieser Rolle passt: Ich schreibe gern für die Produktionsrealität – nicht nur für die Seite –, deshalb denke ich von Anfang an an Zielgruppe, Budget, Tempo und Zusammenarbeit.

2. Warum möchten Sie diese Drehbuchautor/in-Position?

Diese Frage prüft Motivation und Passung. Sie möchten wissen, ob wir die Rolle verstehen und ob unser Interesse konkret ist. Allgemeine Begeisterung klingt schwach. Konkrete Begeisterung klingt glaubwürdig.

Beispielantwort: Ich möchte diese Drehbuchautor/in-Position, weil sie genau an der Schnittstelle dessen liegt, was ich am besten kann: Stoffentwicklung, Überarbeiten und Zusammenarbeit. Besonders interessieren mich Rollen, in denen das Schreiben sowohl einer klaren kreativen Vision als auch praktischen Produktionsanforderungen dienen muss. Nach allem, was ich gesehen habe, braucht diese Position jemanden, der starke Seiten liefern kann, Notes gut annimmt und die Arbeit vorantreibt – und genau in so einem Umfeld liefere ich meine beste Arbeit.

3. Was reizt Sie an diesem Projekt, Studio oder dieser Produktionsfirma?

Damit prüfen sie, ob wir unsere Hausaufgaben gemacht haben. Außerdem wollen sie wissen, ob unser Geschmack zu Marke, Slate oder Zielgruppe passt. Das ist eine der einfachsten Stellen, um herauszustechen.

Beispielantwort: Mich reizt die Art von Storytelling, die ihr konsequent unterstützt: emotional klar, zielgruppenbewusst und mit starker eigener Stimme. Ich mag Projekte, die ambitioniert sind, aber in der Struktur trotzdem diszipliniert bleiben – und das scheint Teil eurer Identität zu sein. Ich würde gern beitragen, weil mein Schreibstil in eine ähnliche Richtung geht: geerdete Figurenarbeit, zielgerichtetes Tempo und Drehbücher, die geschrieben sind, um produziert zu werden – nicht nur, um bewundert zu werden.

4. Wie entwickeln Sie eine Story von der Idee bis zum fertigen Drehbuch?

Hier wollen sie deinen Prozess sehen. Eine gute Antwort zeigt, dass wir Inspiration in konkrete Deliverables übersetzen können. Sie suchen kein Geheimnis. Sie wollen Wiederholbarkeit.

Beispielantwort: Ich starte damit, die Prämisse einem Reality-Check zu unterziehen. Wenn ich den Kernkonflikt, das Ziel der Hauptfigur und den emotionalen Motor nicht klar formulieren kann, ist die Idee noch nicht bereit. Danach baue ich eine Beat-Outline, definiere Character-Arcs und identifiziere die Szenen, die die Wendepunkte tragen. Ich schreibe den ersten Draft zügig, um die Gesamtform beurteilen zu können, und überarbeite dann in Durchgängen: erst Struktur, dann Figurenlogik, dann Dialog, dann das Feintuning auf Zeilenebene. So poliere ich keine Szenen, die später verschoben oder gestrichen werden müssen.

5. Wie entwickeln Sie starke Figuren und Dialoge?

Sie wollen wissen, ob unsere Figuren unterscheidbar wirken und ob Dialoge nach echten Menschen klingen – nicht nach Expositionsmaschinen. Eine starke Antwort zeigt Methode und Geschmack.

Beispielantwort: Ich entwickle Figuren über Wunsch, Angst und Widerspruch. Wenn ich weiß, was jede Figur will, was sie verbirgt und wie sie ihre Entscheidungen rechtfertigt, wird der Dialog meistens spezifischer und glaubwürdiger. Ich lese außerdem jede Szene laut, weil guter Dialog Rhythmus, Spannung und Subtext braucht. Alles, was nach Erklärung klingt, streiche ich – außer die Szene braucht es wirklich.

6. Wie gehen Sie an Struktur, Tempo und Überarbeitungen heran?

Diese Frage zielt auf handwerkliche Disziplin. Drehbuchschreiben ist Überarbeiten, und Teams wollen Autor/innen, die Probleme diagnostizieren können, ohne „zu precious“ zu werden.

Beispielantwort: Ich sehe Struktur als das Transportsystem für Emotion. Wenn sich das Tempo falsch anfühlt, prüfe ich meist, ob die Szenenfolge Konflikte vorantreibt, Stakes erhöht und die Situation der Figur sinnvoll verändert. Beim Überarbeiten betrachte ich das Drehbuch in Schichten: zuerst Makro-Struktur, dann Szenenfunktion, dann Dialog-Kompression. Das hilft mir, Grundprobleme zu lösen, statt nur Sätze schöner zu machen.

7. Erzählen Sie von einem Drehbuch, auf das Sie besonders stolz sind

Damit sehen sie, welche Art von Arbeit wir wertschätzen und wie wir Erfolg definieren. Hier kannst du Range, Handwerk und – wenn vorhanden – messbare Ergebnisse zeigen.

Beispielantwort: Ich bin besonders stolz auf ein Spielfilm-Drehbuch, das ich von einem groben Konzept zu einem finalist-ready Draft entwickelt habe. Ich habe die Prämisse geschärft, den Arc der Hauptfigur klarer gemacht und die Seitenzahl um 18 Seiten reduziert – was das Tempo verbessert und die Geschichte produktionstauglicher gemacht hat. Dadurch kam das Drehbuch in Wettbewerbsfeedback weiter und bekam von Leser/innen deutlich bessere Reaktionen, weil die emotionale Linie endlich richtig getroffen hat.

8. Wie gehen Sie mit kreativem Feedback und Notes von Produzent/innen, Regisseur/innen oder Executives um?

Das ist im Kern eine Risiko-Frage. Sie wollen wissen, ob wir gut zusammenarbeiten, ruhig bleiben und die Arbeit verbessern können, ohne defensiv zu werden.

Beispielantwort: Ich versuche, auf das Problem hinter der Note zu hören – nicht nur auf die Formulierung selbst. Auch wenn ich mit der konkreten Lösung nicht einverstanden bin, nehme ich sie ernst, denn wiederkehrende Notes deuten meist auf ein Klarheitsproblem auf der Seite hin. Ich kläre Prioritäten, schlage Optionen vor und überarbeite schnell. So bleibt die Zusammenarbeit konstruktiv und zeigt, dass es mir darum geht, das Drehbuch zu verbessern – nicht jede ursprüngliche Entscheidung zu verteidigen.

9. Erzählen Sie von einer Situation, in der Sie unter engem Zeitdruck überarbeiten mussten

Hier wird Zuverlässigkeit unter Druck getestet. Sie wollen ein konkretes Beispiel, das Urteilsvermögen, Priorisierung und Lieferung zeigt.

Beispielantwort: In einem Projekt sollte ich eine größere Überarbeitung in weniger als einer Woche umsetzen, nachdem Feedback spät kam. Ich habe die Notes in „Must-fix“ und „Nice-to-fix“ sortiert, zuerst an der Struktur gearbeitet und einen täglichen Revisionsplan erstellt. Ich habe den aktualisierten Draft pünktlich geliefert, die größten Klarheitskritikpunkte von Leser/innen reduziert und das Momentum verbessert, indem ich nur auf Änderungen fokussiert habe, die den Read spürbar beeinflussen.

Beispielantwort (wenn Sie noch am Anfang Ihrer Karriere stehen): In einem Kurzform-Projekt musste ich vor einer Workshop-Deadline schnell überarbeiten. Ich habe zwei Szenen gestrichen, Character-Beats zusammengeführt und Dialog gestrafft, sodass der emotionale Turn früher passiert. Ich war pünktlich fertig, und die überarbeitete Version bekam stärkeres Feedback, weil die Geschichte klarer und fokussierter wurde.

10. Wie balancieren Sie Ihre kreative Stimme mit kommerziellen oder produktionstechnischen Einschränkungen?

Sie wollen Autor/innen, die verstehen, dass Film und TV kollaborative und begrenzte Medien sind. Großartige Ideen müssen trotzdem im Zeitplan, im Budget und für die Zielgruppe funktionieren.

Beispielantwort: Ich sehe Stimme und Constraints nicht als Gegner. Einschränkungen erzwingen oft bessere Entscheidungen. Mein Job ist, den emotionalen und thematischen Kern der Story zu schützen und gleichzeitig bei der Umsetzung flexibel zu bleiben. Wenn sich Location, Cast-Größe oder Laufzeit ändern, suche ich nach Wegen, die Wirkung zu erhalten und das Drehbuch gleichzeitig „buildable“ zu machen. Diese Haltung führt meist ohnehin zu cleanerem Storytelling.

11. Welche Genres oder Formate schreiben Sie am besten – und warum?

Diese Frage prüft Selbstreflexion. Sie wollen wissen, wo wir am stärksten sind und ob diese Stärke zum Job passt.

Beispielantwort: Am stärksten bin ich in Drama und Thriller – vor allem bei Geschichten, die von Spannung, Figuren-Konflikt und Revelations getragen werden. Diese Formate passen dazu, wie ich über Tempo und Szenen-Design nachdenke. Ich bewege mich sicher in Spielfilm- und Kurzform-Strukturen und passe meinen Prozess je nach Laufzeit an. Aber unabhängig vom Format entsteht meine beste Arbeit meist aus klaren Stakes, vielschichtigen Figuren und streng kontrolliertem Momentum.

12. Wie recherchieren Sie unbekannte Themen oder Settings für ein Drehbuch?

Sie wollen sehen, ob wir glaubwürdig schreiben können, ohne zu bluffen. Gute Antworten zeigen Gründlichkeit und gutes Urteilsvermögen.

Beispielantwort: Ich starte breit und verenge dann schnell. Ich nutze wenn möglich Primärquellen, lese Interviews, studiere visuelle Referenzen und suche Menschen mit direkter Erfahrung, die mir helfen, einfache Fehler zu vermeiden. Danach filtere ich alles durch die Story – denn Recherche soll das Drehbuch stützen, nicht überlagern. Die Details sollen spezifisch und „lived-in“ wirken, ohne dass Szenen zu Vorträgen werden.

13. Erzählen Sie von einer Situation, in der Sie eng mit anderen Autor/innen oder Kreativen zusammengearbeitet haben

Hier geht es um Teamwork, Ego-Management und Kommunikation. Drehbucharbeit findet oft in einer notes-intensiven Umgebung statt – Zusammenarbeit zählt deshalb genauso wie Solo-Handwerk.

Beispielantwort: In einem Development-Projekt habe ich eng mit einer Regieperson und einer Produzentin gearbeitet, die unterschiedliche Prioritäten hatten. Ich habe das Team auf drei gemeinsame Ziele für den nächsten Draft ausgerichtet, diese in konkrete Szenen-Änderungen übersetzt und die Kommunikation über regelmäßige Check-ins eng gehalten. Dadurch waren wir schneller durch den Revisionszyklus, hatten weniger widersprüchliches Feedback und kamen zu einem klareren Draft, weil jede/r sehen konnte, wie jede Änderung der größeren Vision dient.

14. Wie stellen Sie sicher, dass Ihr Schreiben zur Zielgruppe passt?

Sie wollen Hinweise, dass wir Zielgruppe, Format und Marktpositionierung verstehen. Das heißt nicht „Schreiben nach Komitee“. Es heißt: bewusst schreiben.

Beispielantwort: Ich definiere die Zielgruppe früh, weil sie Ton, Tempo, Referenzpunkte und die Komplexität beeinflusst, die das Drehbuch in jedem Moment verlangen kann. Ich schaue mir vergleichbare Werke an, kopiere sie aber nicht. Ich frage, welches emotionale Erlebnis die Zielgruppe erwartet – und welchen frischen Blickwinkel das Drehbuch trotzdem bieten kann. So bleibt das Schreiben zugänglich, ohne generisch zu werden.

15. Wie bleiben Sie organisiert, wenn Sie an mehreren Fassungen oder Projekten gleichzeitig arbeiten?

Sie prüfen Umsetzung. Autor/innen, die Versionen verwechseln, Notes verlieren oder Projekte vermischen, erzeugen Reibung.

Beispielantwort: Ich halte jedes Projekt auf einer eigenen Spur – mit Versionsnamen, Revisions-Logs und einer klaren Next-Step-Liste. Ich trenne kreatives Schreiben von Admin-Aufgaben, damit ich Note-Review nicht mit Szenenarbeit vermische. Offene Punkte tracke ich außerdem nach Priorität, sodass ich schnell wieder in einen Draft reinkomme, ohne alles neu lesen zu müssen. Dieses System hält mich flexibel, ohne die Kontrolle zu verlieren.

16. Was ist Ihre größte Stärke als Drehbuchautor/in?

Das ist unsere Chance, die Passung sofort klar zu machen. Wähle eine Stärke, die für die Rolle zählt, und belege sie.

Beispielantwort: Meine größte Stärke ist das Überarbeiten mit Fokus auf Klarheit. Ich erkenne gut, was eine Szene wirklich leistet, streiche, was ihr nicht dient, und schärfe die emotionale Bewegung, ohne die Stimme zu verlieren. So kann ich breites Feedback schnell in konkrete Änderungen auf der Seite übersetzen – was in kollaborativen Development-Umgebungen sehr wertvoll ist.

17. Was ist eine Schwäche oder ein Bereich, an dem Sie arbeiten?

Sie wollen uns nicht reinlegen. Sie wollen Ehrlichkeit, Selbstreflexion und ein Signal, dass wir besser werden.

Beispielantwort: Früher blieb ich manchmal zu lange im explorativen Drafting, bevor ich die Struktur festgezurrt habe. Das habe ich verbessert, indem ich bewusster outline und vor dem Schreiben klare Entscheidungspunkte setze. Dadurch sind meine First Drafts sauberer geworden, und ich brauche später weniger strukturelles Rewriting.

18. Wie nutzen Sie KI-Tools in Ihrer Arbeit als Drehbuchautor/in?

Für Schreibrollen ist KI-Kompetenz inzwischen ein realistischer Teil des Workflows. Hiring-Teams wollen keinen Hype. Sie wollen wissen, ob wir Tools praktisch und verantwortungsvoll einsetzen. LinkedIn berichtete, dass 66 % der Recruiter planen, ihren KI-Einsatz für Pre-Screening-Interviews 2026 zu erhöhen – was zeigt, dass auch der größere Hiring-Prozess stärker systematisiert wird. [1]

Beispielantwort: Ich nutze KI als Support-Tool, nicht als Ersatz fürs Schreiben. Zum Beispiel nutze ich ChatGPT oder Claude, um Prämissen zu stress-testen, alternative Szenenfragen zu generieren, Recherche-Notizen zusammenzufassen oder Draft-Versionen schneller zu vergleichen. Das spart Zeit bei Exploration und Synthese, aber ich behandle Outputs nie als final. Ich überprüfe Fakten, überarbeite stark in meiner eigenen Stimme und stelle sicher, dass jede Story-Entscheidung weiterhin aus menschlichem Urteil kommt.

19. Was sind die Grenzen von KI für Drehbuchautor/innen – und wie umgehen Sie diese?

Diese Frage prüft Reife. Starke Kandidat/innen verstehen, wo KI hilft – und wo sie scheitert.

Beispielantwort: KI ist hilfreich für Geschwindigkeit, Brainstorming und das Erkennen von Mustern, aber sie glättet oft die Stimme, wiederholt vertraute Strukturen und erfindet Fakten, wenn man nicht aufpasst. Beim Drehbuchschreiben ist das entscheidend, weil Originalität, Subtext und emotionale Präzision der Kern des Jobs sind. Ich nutze KI für Support-Aufgaben, prüfe dann alles Faktische, verwerfe generisches Material und schreibe aus First Principles neu, damit das Endergebnis weiterhin intentional und spezifisch wirkt.

20. Haben Sie Fragen an uns?

Das ist keine Formalität. Gute Fragen zeigen Urteilsvermögen und Ernsthaftigkeit. Wir sollten nach Prozess, Erwartungen und Erfolg in der Rolle fragen.

Beispielantwort: Ja – ich würde gern wissen, wie Sie Erfolg für diese Drehbuchautor/in-Position in den ersten drei bis sechs Monaten definieren. Mich interessiert auch Ihr Development-Prozess: wie Notes gehandhabt werden, wer die wichtigsten kreativen Stakeholder sind und was Autor/innen auszeichnet, die in Ihrem Team besonders gut performen.

Wie schwer ist es, ein Interview als Drehbuchautor/in zu bekommen?

Der schwierige Teil liegt meist vor dem Interview. 2025 lag die durchschnittliche Zahl der Bewerber/innen pro Stelle bei 257,5, laut Employ – einem breiten Recruiting-Benchmark, der in einer Lever-Zusammenfassung von 2026 zitiert wird. Das ist nicht speziell für Drehbuchautor/innen, aber ein starkes Signal für Druck am oberen Ende des Funnels. [2]

Für Bewerber/innen als Drehbuchautor/in heißt das ganz einfach: Wenn du das Interview bekommen hast, hast du bereits einen großen Filter überstanden. Verschwende es nicht. Und wenn du noch in der Bewerbungsphase bist, erinnere dich daran, wo der eigentliche Engpass sitzt. Es ist meist nicht deine Fähigkeit, Interviewfragen zu beantworten. Es ist, ob dein Lebenslauf deine Passung schnell genug offensichtlich macht, um den ersten Screen zu überstehen.

Das gilt noch mehr in einem langsameren Einstellungsmarkt. LinkedIns Arbeitsmarktbericht 2026 sagt, dass die Einstellungen in fortgeschrittenen Volkswirtschaften um 20 %–35 % gegenüber dem Vor-Pandemie-Niveau zurückgingen. Das ist ein allgemeiner White-Collar-Kontext, kein direkter Beweis für Drehbuchstellen – aber es deutet insgesamt auf einen selektiveren Markt hin. [3] Darüber hinaus berichtete LinkedIn 2026, dass sich die Zahl der Bewerber/innen pro offene Rolle in den USA seit Frühjahr 2022 verdoppelt hat und dass 66 % der Recruiter planen, ihren KI-Einsatz für Pre-Screening-Interviews 2026 zu erhöhen. [1] Mehr Wettbewerb und stärker systematisierte Filterung bedeuten für uns dasselbe: Wenn der Match in den ersten Sekunden nicht klar ist, verschwinden wir.

Das Ziel sollte sein: weniger Bewerbungen, mehr Interviews. Und das ist möglich, indem du deinen Lebenslauf auf jede Bewerbung zuschneidest.

Warum du deinen Lebenslauf für jede Bewerbung zuschneiden solltest

Ein Lebenslauf, der den Match im 5–8-Sekunden-Scan eines Recruiters sofort sichtbar macht, schlägt einen generischen CV fast jedes Mal. Das wissen wir eigentlich alle.

Das echte Problem ist der Aufwand. Einen Lebenslauf für jede Drehbuchautor/in-Bewerbung neu zu schreiben, kostet Zeit, wird schnell repetitiv – und die meisten machen es schlicht nicht konsequent. Früher war das mühsam. Jetzt kann KI helfen.

Mit Specific Resume ist es jetzt einfach, für jede Stelle einen maßgeschneiderten Lebenslauf zu erstellen. Es hilft dabei, Qualifikationen auf Seite 1 sichtbar zu machen, die Sprache an die Stellenausschreibung anzugleichen, Ergebnisse klar darzustellen und das Format ATS-freundlich und leicht scannbar zu halten. Das ist besser für uns, weil es zu weniger Bewerbungen und mehr Interviews führen kann – und besser für Recruiter, weil sie weniger Zeit damit verbringen, Relevanz zu suchen. Wenn du zusätzlich Unterlagen brauchst, kombiniere deinen Lebenslauf mit einem fokussierten Drehbuchautor/in-Anschreiben, und wenn du üben willst, trainiere mit Drehbuchautor/in-Vorstellungsgespräch-Fragen mit ChatGPT.

Wenn du deine Chancen bei der nächsten Bewerbung erhöhen willst, erstelle einen job-spezifischen Lebenslauf und mach deine Passung sichtbar – noch bevor das Interview überhaupt beginnt.

Erstelle für deine nächste Bewerbung einen besseren Drehbuchautor/in-Lebenslauf

Der Funnel ist hart: viele Bewerbungen, wenige Interviews, noch weniger Angebote. Deine Interviewvorbereitung zählt – aber dein Lebenslauf ist es, der dich überhaupt in den Raum bringt.

Viel Erfolg im Interview – und bevor du die nächste Bewerbung abschickst, erstelle einen job-spezifischen Lebenslauf, der dir eine bessere Chance auf das nächste Interview gibt.

Quellen

1. LinkedIn News. LinkedIn Research Talent 2026
2. Lever-Blog. Early screening in the AI era: 5 shifts hiring teams can’t ignore
3. LinkedIn Economic Graph. Labor Market Report 2026

Adam Sabla

Adam Sabla ist ein Unternehmer mit Erfahrung im Aufbau von Startups, die über 1 Mio. Kunden bedienen – darunter Disney, Netflix und BBC – und hat eine ausgeprägte Leidenschaft für Automatisierung.